Auteur : Jicé

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Nymphoses

Isabelle Senly nous présente son œuvre et son élaboration :

« Chaque Nymphose est un dispositif sculptural modulaire, composé de fragments de sculptures en résine de différentes dimensions. Ces fragments sont associés les uns aux autres pour former un groupe homogène et s’affranchir du groupe sculpté traditionnel.

Dans un effet d’irréalité, une sensation d’apesanteur, les Nymphoses donnent l’impression d’émaner du sol. Elles peuvent être détachées du mur pour venir se poser au sol sur les socles lumineux.

Chaque exposition donne naissance à de nouvelles sculptures modulaires, que je nomme « Nymphoses ». »

 

Anne Malherbe, critique d’art à Paris nous en apprend davantage, laissons-lui la parole :

« Quand Isabelle Senly façonne ses Chrysalides, elle donne forme à un monde tout en spirales, replis et translucidités. Au fil des années, animé de poussées et de métamorphoses, ce monde a pris de nouvelles dimensions. Au gré des excroissances, des concrétions et des greffes, les chrysalides sont devenues d’imposants groupes de sculptures baroques, des « Nymphoses » dont l’état de transformation permanente offre leur énigme aux yeux des spectateurs.

L’artiste œuvre en artisan, maîtrisant chaque étape de la croissance de l’œuvre. D’abord la chair : teinture et traitement du papier imprégné de résine, tissage de fils de coton entrelacé de papier. Puis le squelette : travail de vannerie à base d’osier choisi en fonction de sa souplesse. Enfin, la couture de la chair sur la structure, qui donne naissance à ces œuvres hybrides, entre êtres vivants et objets, nature et artef  act.

Instinctive, la progression laisse une certaine latitude aux hasards du tressage du rotin. Ainsi ces membranes fragiles révèlent-elles des protubérances et des circonvolutions parfois imprévues, comme si l’artiste, en mettant au monde ces organismes délicats, se laissait elle-même surprendre par leur insondable mystère. À travers leur peau diaphane, les Nymphoses révèlent autant qu’elles dissimulent. L’éclairage des sculptures les illumine de l’intérieur : il affine la transparence de leur nacre, rend plus sensibles les zones d’ombres de leurs replis. Il en résulte un effet d’irréalité, une impression d’apesanteur. On dirait des joyaux organiques que l’artiste aurait extraits de sa propre intériorité et qui, issus des profondeurs, auraient proliféré, aériens, au sol ou sur les murs. Les oeuvres se déploient ainsi dans l’espace, devenant vêtements complexes, carapaces, armures aux teintes toujours délicates, comme autant de peaux multiples et changeantes. »

Cette exposition se tiendra du 19 novembre au 12 décembre 2021, venez nombreux !

Vernissage le vendredi 19/11 à 18h

Le lien Vimeo de l’artiste : https://vimeo.com/514449067
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LES RÉPARÉ(E)S

Présentation : 

Peut-on vraiment guérir ?

-Effacer définitivement, sans laisser aucune trace, la maladie, l’accident, le traumatisme ?

Marie Goussé nous présente ses « Réparées ». Ainsi au cours de notre déambulation dans la Chapelle de Saint Julien l’Hospitalier, nous rencontrons : debout de hautes robes-sculptures, aux matières à la fois souples et rugueuses. Suspendues dans la nef et posées dans le chœur, d’immenses ailes aux couleurs empruntées à l’art roman. Aux murs, de plus petites sculptures rappellent les exvotos. Au sol, de fragiles barques de papier remémorent que « …dans une partie de sa vie, Saint Julien aide à passer le fleuve avec une barque et accueille les pauvres et les lépreux dans un petit hospice… »

De mystérieuses installations appellent le regard à se dégager d’une matérialité pesante.

Les nouvelles créations bruissent de leurs conversations à travers l’espace de l’ancien prieuré. Toutes ces œuvres ravivent le merveilleux de l’histoire de Saint Julien l’Hospitalier et de son lieu.

L’artiste plasticienne nous offre « une traversée de paysages » parmi ses « Réparées ».

Elle nous invite ainsi à jouer avec ces questions, via la métaphore d’images produites par un assemblage d’objets incomplets, détournés, désaffectés de leur usage.

Les ustensiles désinvestis, cassés, jetés, ne reviendront jamais à leur état initial.

Elle nous parle de la vie, de l’esprit, en se saisissant de matières.

L’artiste accorde une seconde vie, différente de la première aux objets mis au rebut.

Il ne s’agit pas d’une rénovation. L’utilitaire est réformé.

Comme les humains pour se relever d’une épreuve, les objets recueillis par Marie Goussé sont nettoyés, cautérisés, cicatrisés, prolongés, mais pas guéris.

Ils sont transformés, enrichis d’un sens différent ; y sont greffés d’autres fragments d’objets ou des éléments et matières disparates.

Par exemple, l’utilisation récurrente de textiles, de plumes, de cheveux et de végétaux associés à des ‘outils’ évoque les pansements, les mues, les enveloppes, le renouvèlement.

Et nous visiteurs faisons l’expérience de restes d’objet familiers qui nous sont devenus étrangers, et mystérieux. Ils interrogent, -l’on y regarde à deux fois, – on y revient, -on s’y confronte.

Un objet qui n’en est plus un, parle : « J’ai survécu, je vois, je te regarde. »

Une connivence préexiste entre la démarche de Marie Goussé et la vie hospitalière passée de La Chapelle. Ses œuvres rendent perceptibles ces résonances du travail d’apaisement, de recouvrement et ces mystères du temps où le lieu fut un hôpital pour lépreux. 

 

Son site internet : http://www.marie-gousse.fr

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Ex Lumem

Commençons par une brève présentation de Marie Le Bruchec et qui, mieux qu’elle, pourrait s’exprimer à ce sujet :

Mon parcours artistique a débuté par la photographie.
Bien qu’étant « fusionnelle » avec ce médium, les supports photographiques m’ont apparu très rapidement limités, sans matière, cadrés à l’orthogonal, rigides et froids.
L’expérience des polaroïds arrachés m’a permis de basculer du photographique au graphique, retrouvant ainsi une liberté d’utilisation de différents média (photographique, monotype, gravure peinture), redonnant à l’œuvre un caractère hybride.
De ces débuts, certaines œuvres conservent une « esthétique photographique ».

Pour en savoir plus, l’artiste explicite sa démarche dans un document destiné à la presse.

Affiche de l'exposition

Le site de l’artiste : http://marielebruchec.blogspot.com

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A LINEA

Du questionnement de la ligne comme phonème ou atome du dessin jusqu’au dessein intérieur.

La ligne a connu toutes sortes de partis pris, de luttes, d’appropriations. Notamment, la netteté des contours classiques s’opposant aux vibrations colorées sans contour fixe rendues, dans certains dessins maniéristes, par une succession rapprochée de coups de plumes, de lignes imitant la gravure ; la ligne comme outil du designo qui indique la proximité entre dessin et dessein permettant de concevoir, de planifier un projet mais aussi de rendre un « dessin intérieur » ; la ligne comme geste qui exprime un mouvement et la temporalité d’un geste. On pourra évoquer également le dépassement de la dialectique dessin-couleur par Yves Klein, résolu dans une matière colorée qui créée ses propres contours. La problématique de la ligne et son dépassement peut se continuer jusqu’à l’infini avant le point de fuite, avant le lieu où les lignes parallèles se croisent.

La ligne est le phonème, l’atome du dessin, du dessein et de la perception visuelle. Comme une combinaison de phonèmes forment le langage, une combinaison de lignes définit le dessin.

Un alinéa, c’est la marque d’un « retour à la ligne », et cette marque est un espace vide avant le texte, espace intérieur avant le discours. Mais cela provient aussi, paradoxalement du latin « a linea », « en s’écartant de la ligne », « quitter la ligne » à laquelle nous sommes, pour en commencer une nouvelle.

Le questionnement de l’exposition « a linea » se situe dans cet entre-deux, faire « retour à la ligne » pour l’interroger en temps que telle, et « s’écarter de la ligne » pour aller vers ce qu’elle permet : le dessin, le dessein, le contour, le contenu, le mouvement… Interroger la ligne en temps que telle, c’est explorer ses possibles, sa plasticité : lignes pliées, coupées, segmentées… « S’écarter de la ligne », c’est chercher à la dépasser comme limite, à mettre son idéologie en porte-à-faux, à en réinventer le langage et les présupposés, par exemple en ne la considérant plus comme contour délimitant un contenu mais comme forme définie en contre-forme, non plus comme outil pour faire un rendu de matière dans un dessin mais comme matière elle-même.

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L’abscisse et l’ordonnée

L’abscisse et l’ordonnée est une proposition picturale. Jouant avec la perception, elle souligne le dessin pensé de cet espace dans son horizontalité et sa verticalité.

Cette exposition est constituée de deux installations picturales in situ.

Une peinture à la verticale qui coupe visuellement l’espace tout en soulignant sa hauteur ; une installation picturale faisant corps avec le sol, à l’horizontale, à peine visible à première vue.

Principe d’incertitude II, au sol, est un miroir chromatique des peintures ornant le plafond de la chapelle.

Tenture, à la verticale, teinte avec de l’écorce de chêne, de ce même bois qui tient le lieu, est portée par la gravité, et chute plutôt qu’elle ne s’élève.

Ces deux peintures ne s’opposent pas. Leur mise en tension tente au contraire, dans un va et vient constant entre elles et avec l’espace, d’établir un équilibre entre les deux axes, une stabilité ; stable qui vient du latin stare,  « être debout».

Son blog : http://albanehupin.blogspot.com

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Esprit(s) du lieu

Exposition de Bérénice Palier à la Chapelle St Julien
Le Petit Quevilly
qui s’est tenue du 29 novembre au 15 décembre 2019

Le site de l’artiste : http://filzanna.fr/

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Virginie Rochetti : Fata Morgana.3

Fata Morgana.3
Illusion, songe,
Mirage
Du latin Miror, mirari, s’étonner, voir avec étonnement.

Propagation anormale de la lumière, phénomène optique dû à la déviation des faisceaux lumineux par des superpositions de couches d’air de températures différentes.

Au moyen-âge, la fée Morgane avait le pouvoir d’élever des palais au dessus des flots.
Les premiers navigateurs en quête de nouvelles routes se trouvèrent, dans le détroit de Messine face à une fata morgana infranchissable…
La fata morgana est un type particulier de mirage.
Un mirage complexe composé de plusieurs images superposées qui semblent des palais flottants sur l’horizon.

Cette exposition est le troisième volet de la série des Fata Morgana.
Les mirages, les songes, les illusions tout ce qui enchante le monde nous fait meilleurs. Tout ce qui, dans les temps troublés, nous aide à  franchir les passages : un visage rencontré, un rire, des chimères, animaux hybrides, un vivant transversal, les paysages d’entre-deux, d’encre, nous porte d’un puissant mouvement vers la vie, vers la joie.
À l’instar de Saint-Julien qui aidait à franchir le passage, à soigner les maladies, je cherche en tant qu’artiste à adoucir les maux, les mots.

Un instant s’émerveiller de la beauté et de l’étrangeté du monde. Je parle avec le noir de l’encre, l’ombre et la lumière, les matériaux rencontrés. J’essaie d’apprivoiser un vivant : le blob, incroyable organisme ni animal ni plante ni champignon ni corail. Du vivant non classifié, qui demande une famille pour lui tout seul, de l’espoir jaune et brillant comme un soleil .

J’écris des mots pour combattre les maux, la poésie pour chanter le verbe, pour l’enchanter. Revenir au début, en Éden, écrire en pénitence sur le sol, dans le cœur et dans le chœur, dans la nef, écrire une prière une invocation une ode à la joie …

Virginie Rochetti

Fata Morgana

Le vernissage a eu lieu le jeudi 10 Septembre 2019.




 

Le site de l’artiste : http://www.virginierochetti.com/plasticienne/Virginie_Rochetti-accueil.html

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Aude Bourgine : Phénomènes ineffables

Aude Bourgine est une artiste rouennaise riche de fortes convictions dans le domaine de la préservation de l’environnement qu’elle exprime au travers de son travail minutieux.

En juin 2019, elle a proposé une exposition personnelle au sein de la chapelle Saint Julien. Elle définit, elle-même, admirablement ce lieu comme un « sanctuaire de l’immensité mystérieuse, la chapelle est un espace sacré où l’agitation quotidienne se suspend, permettant à l’instant de se fondre dans l’éternité. Ses murs silencieux contiennent l’écho de l’infini cosmique et recueillent les murmures introspectifs. Ici, en son sein, bercés par les vibrations des choses invisibles, les reliefs du psychisme se métamorphosent en images poétiques ».

Cliquez sur les images ci dessous pour les agrandir :

Affiche

L’adresse de son site internet : http://audebourgine.fr/
La présentation par notre partenaire Ville de Petit-Quevilly :
http://www.petit-quevilly.fr/mairie/actualites/exposition-d-aude-bourgine-845.htm

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Catherine Coppalle

Passage ou la quête de mots est une installation réalisée par Catherine Coppalle. Elle constituée de plusieurs centaines de petites sculptures – les sièges–bougies-, toutes de forme singulière, recouvertes de coupures de presse portant sur les évènements internationaux qui se succèdent entre guerres et paix.

Ce travail a démarré le 13 septembre 1993, jour de la déclaration des principes de paix entre Israël et Palestine. Depuis et jusqu’à ce jour se sont succédés partout dans le monde nombre de conflits générant des regroupements et des déplacements de populations.

La longue procession des sièges-bougies représente un questionnement sur le sens des mots – mémoire, oubli, attente, espoir-  et sur la manière dont nous percevons l’actualité ainsi que sur la façon de l’aborder dans le déroulement du temps.

Pour que l’interrogation ne reste pas en suspens, Passage ou la quête de mots se présente complétée par l’intervention de personnalités sollicitées pour apporter un éclairage sur les différentes questions soulevées.

A l’occasion de l’exposition qui se tiendra du 11 janvier au 3 février 2019, à la Chapelle St Julien de Petit-Quevilly, Catherine Coppalle a fait appel à Laurent Vidal, historien et professeur en histoire contemporaine à l’université de la Rochelle, qui viendra parler des Territoires de l’Attente. La rencontre se déroulera le mardi 15 janvier à 20h à la Chapelle Saint-Julien.

Cette manifestation aura lieu à l’invitation de l’association « les inspirés de Saint-Julien » soutenue par la ville de Petit-Quevilly.



Catherine Cappelle

 

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Mon jardin secret

Mon jardin secret

Les inspirés de la chapelle St julien ont toujours eu à cœur de soutenir la créativité artistique, les créations faites parfois à la marge ou au bord des modèles classiques de la création. Il a semblé évident de pouvoir faire une place dans la programmation pour ce type d’action de création.
Dans le cadre d’un projet santé culture à l’hôpital, Catherine Bernard, artiste plasticienne, aidée de deux soignants, a encadré un atelier avec des personnes souffrant de difficultés psychiques.Le thème « Mon jardin secret » concilie une réflexion sur l’intime singulier et une pratique artistique.

Photographies de Guillaume Brière